Una exposición imprescindible dedicada al gran maestro estadounidense Mark Rothko, que explora la evolución de su arte, desde sus primeras obras figurativas, en diálogo con el expresionismo y el surrealismo, hasta los célebres lienzos abstractos de las décadas de 1950 y 1960, explorando también su conexión con la tradición artística italiana.

La exposición presenta una extraordinaria selección de obras, incluyendo pinturas de gran formato nunca antes expuestas en Italia, procedentes de prestigiosas colecciones privadas y museos internacionales como el MoMA y el Metropolitan Museum di New York, la Tate de Londres, el Centro Pompidou de París y la Galería Nacional de Arte de Washington.

Rothko es conocido por sus pinturas de campos de color, creadas entre 1949 y 1970. Estas pinturas rectangulares, en las que el artista utilizó un solo color o una paleta muy estrecha, se remontan al movimiento expresivo que se desarrolló en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales exponentes incluyeron artistas como Jackson Pollock, Philip Guston, Helen Frankenthaler, Hans Hofmann y muchos otros. Rectángulos horizontales, campos suaves y estratificados, donde el color vibra sin revelar la pincelada, son una intensa expresión de su drama interior.

Rothko desarrolló un lenguaje radical y personal: sin figuras ni símbolos obvios, sino color por doquier para eliminar cualquier distracción y ofrecer al espectador una experiencia casi espiritual. Los grandes lienzos no se ven desde lejos, sino que se habitan, y el color se convierte en un espacio mental. En sus pinturas, se percibe una profunda tensión existencial; el tiempo parece suspendido y los campos se confrontan como presencias silenciosas. El propio Rothko afirmó: «Creo que el color, con la ayuda de la luz, entra en relación con el alma y provoca consecuencias emocionales inesperadas». Por ello, recomendaba observar sus obras de cerca, casi desde una distancia íntima, para dejarse envolver por completo por el campo cromático: sus rojos profundos, negros estratificados, púrpuras y naranjas incandescentes son campos de tensión emocional, casi espacios interiores que reflejan soledad, fragilidad, silencio, pero también una forma de trascendencia.

Su rechazo al arte puramente decorativo fue categórico: el arte debía despertar emociones profundas, no ser simplemente "bello". El artista era un hombre de mente compleja, reacio a las etiquetas, en particular la de "colorista", y un pintor que buscaba constantemente representar la precariedad del drama humano.

Una oportunidad imperdible: la exposición florentina es, sin duda, una de las más importantes jamás dedicadas a Mark Rothko.