La exposición que no te puedes perder en 2026: Mark Rothko

Del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, el Palazzo Strozzi presenta una exposición imprescindible dedicada al gran maestro estadounidense Mark Rothko.
La exposición explora la evolución de su arte, desde sus primeras obras figurativas, en diálogo con el expresionismo y el surrealismo, hasta sus célebres lienzos abstractos de las décadas de 1950 y 1960, explorando también su conexión con la tradición artística italiana.
La exposición presenta una extraordinaria selección de obras, incluyendo grandes pinturas inéditas en Italia, procedentes de prestigiosas colecciones privadas y museos internacionales como el MoMA y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la Tate de Londres, el Centro Pompidou de París y la National Gallery of Art de Washington, y rinde homenaje a una figura central en la historia del arte moderno, cuyas obras crean espacios donde el color y la luz invitan a la meditación y la introspección, en una tensión constante entre la abstracción y la espiritualidad.

Desde el Palazzo Strozzi, el proyecto se extiende a la ciudad de Florencia, visitando un lugar especialmente querido por el artista: el Museo di San Marco, profundizando su relación con el arte renacentista italiano, en particular con la pintura de Fra Angelico. Entre los artistas del siglo XX, Mark Rothko es sin duda quien comprendió con mayor profundidad su esencia, absorbiendo y abrazando el humanismo metafísico de Fra Giovanni da Fiesole.

Rothko es conocido por sus pinturas de campos de color, creadas entre 1949 y 1970. Estas pinturas rectangulares, en las que el artista utilizó un solo color o una paleta muy limitada, se remontan al movimiento expresivo que se desarrolló en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales exponentes incluyeron artistas como Jackson Pollock, Philip Guston, Helen Frankenthaler, Hans Hofmann y muchos otros. Rectángulos horizontales, campos suaves y estratificados, donde el color vibra sin revelar la pincelada, son una intensa expresión de su drama interior.

Rothko desarrolló un lenguaje radical y personal: sin figuras ni símbolos obvios, sino color por doquier para eliminar cualquier distracción y ofrecer al espectador una experiencia casi espiritual. Los grandes lienzos no se ven desde lejos, sino que se habitan, y el color se convierte en un espacio mental. En sus pinturas, se percibe una profunda tensión existencial; el tiempo parece suspendido y los campos se confrontan como presencias silenciosas. El propio Rothko afirmó: «Creo que el color, con la ayuda de la luz, entra en una relación con el alma y provoca consecuencias emocionales inesperadas». Por esta razón, recomendaba observar sus obras de cerca, casi desde una distancia íntima, para dejarse envolver por completo por el campo cromático: sus rojos profundos, negros estratificados, púrpuras y naranjas incandescentes son campos de tensión emocional, casi espacios interiores que reflejan soledad, fragilidad, silencio, pero también una forma de trascendencia.

Su rechazo al arte puramente decorativo era categórico: el arte debía apelar a emociones profundas, no ser simplemente "bello". El artista era un hombre de mente compleja, reacio a las etiquetas, en particular a la de "colorista", y un pintor que buscaba continuamente representar la precariedad del drama humano.

Una oportunidad imperdible: la exposición florentina es, sin duda, una de las más importantes jamás dedicadas a Mark Rothko. Visitala con Firenzecard!

Descubramos quién es Mark Rothko
Nació en Dvinsk, Rusia, el 25 de septiembre de 1903. A los 10 años, se mudó con su familia a Portland, Oregón, Estados Unidos. De 1921 a 1923, asistió a la Universidad de Yale en New Haven con una beca, pero después de solo dos años abandonó sus estudios y se mudó a Nueva York, un refugio para artistas europeos y un floreciente centro creativo que reunió a expresionistas alemanes, modernistas franceses y surrealistas, cuya obra influyó profundamente en el joven Rothko, quien quedó particularmente impresionado por Paul Klee y Georges Rouault.

A partir de 1925, estudió con Max Weber en la Art Students League y, en 1928, expuso por primera vez en una exposición colectiva en las Opportunity Galleries de Nueva York. En 1933, realizó su primera exposición individual en el Portland Art Museum y una posterior individual en la Contemporary Arts Gallery de Nueva York. A principios de la década de 1940, colaboró estrechamente con Gottlieb, desarrollando un estilo pictórico de contenido mitológico, con figuras simples y planas, influenciado tanto por artistas contemporáneos como por los pioneros de la psicología moderna, Sigmund Freud y Carl Jung. Alrededor de 1945, adquirió técnicas e imágenes surrealistas. En 1945, Peggy Guggenheim le dedicó una exposición individual en Art of This Century, Nueva York.

Entre 1947 y 1949, impartió clases en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco, donde también impartía clases Clyfford Still. Entre las décadas de 1940 y 1950, desarrolló su estilo maduro, caracterizado por la producción de grandes lienzos donde el color cobra protagonismo, con rectángulos luminosos y frontales.

A pesar de su trayectoria artística, Rothko permaneció poco conocido hasta la década de 1960, tanto que su principal ocupación fue la de profesor de arte. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York realizó una importante exposición individual de su obra; en 1962, realizó murales para la Universidad de Harvard; en 1964, John y Dominique de Menil le encargaron varias obras monumentales para una nueva capilla en Houston. El 25 de febrero de 1970, se suicidó en su estudio de Nueva York, donde se había retirado a vivir un año antes tras separarse de su esposa, Mell, agotado por un estilo de vida marcado por el exceso y la depresión. Al año siguiente, se inauguró la Capilla Rothko en Houston.

Su fama le llegó póstumamente, confirmando su papel central en la historia del arte contemporáneo. De hecho, Rothko se encuentra ahora entre los artistas más valiosos del mundo: en 2012 Orange, Red, Yellow alcanzó casi 87 millones de dólares en Christie's, mientras que en 2014, el n.º 6 (Violet, Green and Red) superó los 180 millones de dólares en una venta privada. De nuevo, en noviembre de 2025, durante la Semana Marquee de Christie's en Nueva York, el n.º 31 (Yellow Stripe) se vendió por más de 62 millones de dólares, estableciendo un récord para una puja en línea en una subasta en vivo.